不是背离而是另一种推广|所有失去的都会以另一种方式归来

　　9月19日晚，田蔓莎概念川剧《情叹》上演，910个座位的上戏剧场座无虚席，四千多平米的空间只有一个焦点――那就是舞台，那就是戏中角色焦桂英。 　　 　　有技术更有艺术
　　
　　传统戏曲是一门“口传心授”的艺术，重“口传”更重视“心授”，传“技”更重传“艺”，但当今的戏曲舞台上，飚“技术”无“艺术”的作品却很多，田蔓莎概念川剧Ⅸ情叹》很难得的就是既有技术更有艺术。
　　田蔓莎是一位成熟的艺术家，其成熟的表现在于戏曲功底的扎实和规范。舞台上，田蔓莎手、眼、身、步分解动作的展现在技术层面上分析无可挑剔；其成熟的表现更在于艺术的追求和思想的探求上，田蔓莎在舞台上呈现的爱、恨、念、唱塑造的是一个有血有肉、有情有爱的焦桂英，而不是一个简单的拿腔拿调，炫技飚腔的焦桂英。整场演出，不但呈现表演的艺术性，也表现出了舞美、灯光、服装、道具的艺术性，这些元素与表演融为一体，恰到好处。田蔓莎说：“我在实验的过程中发现传统戏舞台上的道具可以不仅仅是道具，也可以是表演的对象”。
　　
　　有意味更有意义
　　
　　漆黑的舞台上，光束打在了一双彩鞋上，灯光暗去，又一束光打在了各种情态的手上。隐藏于幕后的乐队搬上舞台，除了伴奏之外还承担了“帮腔”和群众演员的职能，这些是整场演出的基本形式，简约却不简单。难得的是，田蔓莎概念川剧《情叹》既不会因为追求简约而简单，也不会为了壮观而奢华，其演出的形式是为了内容的需要。田蔓莎请乐师直接坐在台上演奏，参与到演员表演之中，戏演到“xx”一段时，六位乐师甚至出现在舞台上，拿着彩鞋往主演身上砸，以此表现演员被赶下舞台的情景，这种形式的处理是为了内容的需要。有研究者认为田蔓莎概念川剧《情叹》有命运的哀叹、灵魂的拷问，更有对于命运的挣扎，该观点的生成立足于该剧的思想性，概念川剧《情叹》中，田蔓莎的表演富有提示意义，有深度，富有哲理。
　　
　　有创新也有传承
　　
　　在《情叹》首演至今的五年里，很多人追问田蔓莎的创新是否丢失了传承。观看“情叹》演出后，我们应该看到，传承恰恰是其创新的目的之一。在《情叹》的表演中，我们可以看到很多传统戏曲的元素，不管是手、眼、身、步的表演动作还是以象征、表意和借喻为主的表达手法，田蔓莎的创作还是在坚持传统，这是当代戏曲艺术家的自觉和自信意识的体现。在戏曲界往往有这样的观点，有人认为继承就是原汁原味的保留，至于这种保留是否可行?是否有意义?他们却想得很少。其实原封不动的保存根本不可能，从某些角度说，这是一种逃避历史责任，并且懒惰和无能的表现。戏曲的前辈艺术家是传统艺术的弘扬者，更是艺术创新的先驱者。戏曲界还有这样的观点，认为创新不需要基础，不需要传承，持此观点者经常挂羊头卖狗肉，借助戏曲的形式，达到功利的目的。没有传承的创新就不是创新，那是生造。田蔓莎是当代戏曲艺术改革的前行者，但她很谦虚，也很敬畏传统艺术，她有创新的气魄，但不会为“新”而生造。她经常说是传统艺术给了她滋养，她有传承的责任和义务，只是传承的角度不同。她正在探索让更多的观众认识、理解、喜爱戏曲的道路，这条道路不是背离传统，而是另一种推广传统。