今日艺术与大众传播的先行者——安迪·沃霍尔:安迪沃霍尔

　　【摘要】在所有美国艺术家中，关于安迪·沃霍尔的书和文献是最多的。他比同时代文化人对所处时代的认识高出一筹，他把艺术放入了无从讨论和消解标准的范围内，并懂得如何把思想通过艺术的语言和生活解说出来。今天人们对艺术与商业文化、艺术与流行文化关系的认识，很多都来自安迪·沃霍尔。他的艺术思想包含了很多可能性的种子，可以在各种土壤中生发出奇异的东西。
　　【关键词】大众传播；复制；跨界
　　如果在20世纪的艺术市场上需要记住两个名字的话，那必定是巴勃罗·毕加索（Pablo Picasso）和安迪·沃霍尔（Andy Warhol），在连续7年时间里，他们都是国际艺术市场最受欢迎、身价最高的艺术家。2007年，当代艺术的价格得到前所未有的提升，沃霍尔的年度总成交额甚至超过了毕加索1亿美元。众所周知，安迪·沃霍尔以波普艺术（POP Art）闻名，作为艺术史上的标杆性人物，他的作品大多描绘名人或生活消费品，且始终保持复杂又晦涩难懂的个人风格，深受西方上层人士喜爱。除了是波普艺术最著名的领袖和倡导者之外，他的身份还包括电影制片人、作家、摇滚乐作曲者、设计师、出版商，不过，总的来说“画家”仍然是他最恰当的头衔。
　　在1984年创作的一幅迈克尔·杰克逊的肖像作品中，具备了安迪·沃霍尔经典作品的所有特质：1.作品为印刷品，表面还带有油画笔刷的痕迹；2.创作过程基于照片而非取材本人；3.色彩艳俗且形象扭曲；4.作品有一系列多个不同版本；5.作品甚至不是由艺术家亲手完成的。在这幅作品中，他简化了一切，细节被强烈鲜艳的颜色所取代，杰克逊的脸几乎被简化成了一个面具，完全是卡通的效果。这幅作品有超过20个不同的版本，其中的一幅最近刚以2800万美元的价格售出，他的另外一些著名作品像《坎贝尔番茄汤罐》、《布里洛盒子》、《玛丽莲·梦露》等也一直被奉为现代艺术的圣典，价值连城。不管你喜欢与否，安迪·沃霍尔这个名字就像时尚品牌一样，从范思哲到Pepe牛仔裤，他的形象在今天的世界不停地循环出现。
　　安迪·沃霍尔的影响广泛，从电视真人秀到Facebook，从明星八卦杂志到地下摇滚，从行为艺术到商业广告，他创作的影像无处不在，米老鼠、毛泽东、死刑电椅、印花墙纸、灾难、美元、可口可乐、爱因斯坦……几乎涉及他的时代所有的人物和事件，这些影像在折射出消费文化引起大众物质欲望无限膨胀的同时，也潜在地表达了当时人们内心的真实需要和文化追求。按照“艺术反映时代精神”这一点来看，他是一个真正意义上具有当代精神的最好的艺术家。
　　重新定义了艺术家的角色
　　中国人推崇茶，欧洲人热爱啤酒，美国人喜欢可口可乐，拥有100多年历史的可口可乐早已经超越了商品的概念，成为美国文化的一种代表。安迪·沃霍尔想到，为什么一个可乐瓶不能成为一个艺术作品呢?他于是选择在画布上绘制了一个可乐瓶，一件商品，并且以整洁、机械、图形化的方式去呈现。这在当时的艺术界具有绝对的颠覆性，是一种真正意义的再创造，这是他独有的风格。可口可乐、坎贝尔罐头、布里洛盒子……这些是任何人都能享用的东西，这些绘画是关于美国社会的商业主义，关于工业化、大众传播文化的产物。最终，安迪·沃霍尔打破了现代艺术殿堂的沉寂，步入了一场全新的艺术运动——波普艺术运动。明快的色调，轻快的感觉，冷酷的画风，完全相同的主题元素或者不同色相的主题元素在同一个作品中排列、重复出现，就像他晚期大量的作品一样。这种以工业方式大批量复制而成的艺术品，已不再是过去那种传统的文化形式，它是文化与经济联袂的复合体。[1]它们以几近相同的图像被同时呈现，而且是大量复制生产的，象征了安迪·沃霍尔所处的时代。
　　在20世纪60年代早期，安迪·沃霍尔开始放弃手绘转而逐渐应用工业流程生产作品，他采用了一种被称作丝网印刷的制作工艺做作品，这是一种由涂染技法发展而来的工业生产流程，主要用于生产墙纸。在这样一个大量复制的世界里，这是一种很完美的进行大量复制的技术，这种丝网印刷成为安迪·沃霍尔的标志。在绘画创作上运用商业丝网印刷的做法打破了人们“只有画家亲笔绘制的作品才算艺术”这一固有观念，他使用这种手法创作出了那些世界上最知名的影像如欧纳西斯、奶牛壁纸以及玛丽莲·梦露。这种独特的表现形式和改变传统的创新思路，积极地引领了艺术新的内在美学观念和意识潮流。在这些影像中，一种毫无深度感和异乎寻常的平面性构成了作品的基本形式特征，传统西方绘画形式语言在他的作品中几乎完全失去了作用。[2]
　　一些人认为这是对艺术以及现代消费文化的一个精彩的讽刺，他们认为安迪·沃霍尔正在做一些重要的事情——“技巧于艺术是不是必须的，艺术作品背后概念的意义，对艺术原创必要性的质疑”。达达主义的奠基人马塞尔·杜尚（Marcel Duchamp）曾经说过这样的话：未来的艺术家，他不一定是个画家，只需要用手指点一下，说那就是艺术，而且那将会成为艺术。至于作品如何出现，是在画布上或是别的介质之类的都不重要。这句话仿佛是对安迪·沃霍尔讲的，沃霍尔用手指对着他的世界点了一下，浓汤罐头、卡通、灾难、电椅等，现实所有这些都出现在他的作品里。他选用的素材都是绝对平凡卑微的物件，这些东西你可以在美国的任何一家超市里找到，他通过这些东西质问艺术的本质。
　　在作品内涵上，他打破了艺术和日常生活的隔阂以及传统的审美观念。对事物的存在不再做价值区别，作品不再是个性表现，而是体现人类生活的广泛性，具有社会性和大众化特征。[3]他认为艺术不是要告诉你未来将会发生什么，艺术是要记录当下的时代里都发生了什么。安迪·沃霍尔打开了一扇门，现在的艺术家们可以完全特立独行，现在的艺术领域里任何事情都会发生。这是安迪·沃霍尔留给今天的无可争辩的遗产，这也是为什么《32个浓汤罐头》在美国现代艺术博物馆中占据一整面墙的原因。
　　跨界的艺术行为
　　安迪·沃霍尔经常跨越使用多种手段来为自己的艺术服务，如绘画、设计、印刷、摄影等，他还大胆尝试凸版印刷、照片投影、木料拓印和金箔技术等各种复制技法。他对新媒介持续的关注逐渐转化为与多媒体的完美结合，为艺术找到了一个新的契入口。[4]他称呼他的工作室为“工厂”，“工厂”不仅仅是他创作艺术作品的场所，同时也是纽约狂野的地下文化汇聚的至高圣地，在“工厂”里，美国20世纪60年代的摇摆舞被创造了出来。