诗意神秘的心灵世界|假如心灵中没有诗意

　　保罗・克利简介 　　保罗・克利（Paul Klee，1879.12～1940.6）出生在瑞士伯尔尼州附近的一个乡村穆尚布希。1898年（19岁），克利来到德国慕尼黑，跟随埃尔温・克尼尔（Erwin Knirr）学习绘画，1900年进入慕尼黑美术学院，师从弗朗茨・凡・施塔克（Franz von Stuck）习画至1901年。慕尼黑学院的青春艺术风格①注及其所强调的曲线风格和世纪末的象征主义和浪漫主义影响了年轻的克利。他钦佩奥迪隆・雷东（Odilon Redon）、奥博利・比亚兹莱（Aubrey Beardsley）、威廉・布莱克（William Blake）、弗朗西斯科・戈雅（Francisco Goya）和詹姆斯・恩索尔（James Ensor）。1910年（31岁）克利第一次个人画展在瑞士举行，并在伯尔尼、巴塞尔、温特杜尔、苏黎世等地巡回展出。1911年（32岁），结识康定斯基（Wassily Kandinsky）、麦克（August Macke）等人，并于这年冬天加入康定斯基创办的“青骑士”组织。 1920年瓦尔特・格罗佩斯（Walter Gropius）邀请克利参加包豪斯工艺学院的工作，1921年（42岁），克利应格罗佩斯之邀到德国魏玛的包豪斯任教，克利在包豪斯学院任教十年，先在魏玛，后在德绍。到1931年4月（52岁），克利向包豪斯提出辞职，任教塞尔多夫美术学院。1933年（54岁）克利开始受到纳粹的无端攻击并被解聘。1934年1月（55岁），克利在英国的首次个人画展在伦敦“市长画廊”隆重开幕，同年出版了《1921～1930克利素描集》，1935年2月，克利大型作品展在伯尔尼艺术大厅隆重开幕，随后，此展移至巴塞尔展出。由此，克利在瑞士艺坛确立了崇高的地位。1940年6月29日克利病逝。保罗・克利在二十世纪现代艺术中占有极重要的地位，是开创现代艺术本质和特征的伟大艺术家之一。克利以音乐般的节奏，随心的色彩创立了他自己独特的表达方式。克利作品中丰富的幻想，表现他对生命本源的探索以及对人生的感悟，展现他诗意神秘的心灵世界。
　　
　　保罗・克利艺术作品特征
　　
　　克利的绘画语言以抽象的点、线、面为主体，题材多为天使、巫师、面具、魔法占星术、剧中人、西方神话、东方传奇。由于他接触到众多西方艺术流派作品，如巴赫的古典主义、德拉克洛瓦的浪漫主义、毕加索的立体主义的影响，画风别具一格，使其成为20世纪画风变化最多、最难以理解和才华横溢的艺术家之一。＊艺术史家将克利划入抽象主义的阵营，是因为克利笔下的各种物象不是对客观自然的描摹，而是一种抽象意味极强的象征符号。在他的作品中，人们可以感受到一种音乐的韵律感，同时也会被他的艺术的神秘性所吸引。
　　
　　音乐的节奏
　　
　　克利可以说出生在一个音乐世家，他的父亲是一位音乐教授，他的母亲对音乐也有特别的爱好，并受过正规的训练。出生在这样的音乐家庭，克利极富音乐天赋。在克利年轻时，他犹豫着他是要成为一位音乐家还是一位画家，最终，他决定投身绘画。但是他并没有放弃音乐，他曾是一名优秀的小提琴手，并且音乐一直是他人生的一种灵感来源。在他的作品中，人们可以发现线条的构造是富有韵律感的，他创造出特有的、柔软的、极富音乐美感的抒情线条语言，用他自己的名言解释即“与线条携手同游”[2]。如《热闹的港口》（图一），克利展现在人们眼前的完全是一些三角形、方形、圆形等几何图形和一些不规则的抽象线条配之以一个圆形红色色块、一个长方形黄色色块、一小块橙色色块和椭圆的紫色色块以及其他的一些绿色、蓝色、青色、褐色的小的不规则的色块。透过这幅作品，我们可以感觉到一种音符般的跳跃，港口进出货物的繁忙却又有条不紊，一切都在有序的控制之中，而不是忙乱。《游戏之水》（图二）克利只使用线条这一种元素构成他的作品，却把水的特点表露得淋漓尽致：时而欢快流淌，时而波涛汹涌，时而暗流涌动，引起一个个旋涡，就像是法力无边的河神，主宰着水的世界。《热闹的港口》的作品以抽象点、线、面的构成表现出港口热闹繁华的场景，用绘画的语言演绎出有如鼓点般的节奏感受。《游戏之水》的作品，大师以水波流畅的线条描绘出音乐般的旋律，无论是《热闹的港口》还是《游戏之水》，克利都在以视觉的绘画语言阐释着音乐的旋律，这给观者以一种视觉与听觉的联觉感受。
　　
　　心灵的色彩
　　
　　克利35岁之时仍然主要是位素描画家，偶尔画一些水彩画 。但1914年（35岁）在奥古斯特・麦克和路易斯・莫里耶特（Louis Moilliet）陪同之下的突尼斯凯鲁万之行对克利的艺术演变具有决定性的作用。突尼斯之行后，克利吸收此行对他的所有影响融合成为整体，从此形成了他独特的图案隐喻风格。他从心底发出这样的感慨：“色彩已牢牢地抓住了我的心灵。”[3] “如今我听任作品自由发挥，它悠然邃然地渗入我心田，我感受它，它使我油然而生自信心。色彩持有我，我不必去寻求它，我晓得它将始终持有我。色彩与我二而为一，这就是快乐时辰的意义。我是一位色彩画家。”[4]他认为是色彩持有艺术家，而不是艺术家占有色彩。
　　以素描见长的克利，开始在色彩上倾注更大的热情，转向水彩和以立体主义为基础的半抽象的色彩图案。《哈马迈特的清真寺》（图三）是他这次突尼斯之行留下的一幅水彩写生。哈马迈特明朗的蓝天白云，沙漠中葱绿的树木花草，给画家留下十分诗意的印象，但是，画家在他的作品中展现的却不是照相式的写生，而是画家内心的一种色彩印象。清真寺、树木、草地、蓝天，都被画家最大限度地简化了，画面由一系列明亮而混浊的色块构成，各种色块相互交织，从而获得了一种宁静、明快的和谐效果。在保罗・克利的笔下，色彩反映的是心灵的感受。他特别强调明暗对比，把明暗转到色彩领域，使每一种调子和色彩相呼应，不是用黑白来表示亮暗，而是代之以色彩关系，也就是说克利拒绝用光线自身的方式来呈现光，而是把光当作色彩的活动，这样在克利的画面上，光感和色彩感合二为一，而且回到了色彩纯粹的性质。其典型作品《在帕尔那索斯山上》（图四），克利运用点彩派的技法，简约的线条如光那般穿梭，色块被分解，重新被排列组合。底色是由绿色、蓝色和紫色涂成的大色块，色调柔和，然后加上如镶嵌般密集的小色块以加强色彩的强度。整个画面的色彩不仅有底层和表层的丰富对比，而且从左下到右上的逐渐升级，以这种对比和渐变，保罗・克利创造出闪烁不定的光感和扑朔迷离的视幻效果，十分贴切地显现了人在自然中方能捕捉的内心视像，色彩表现的是克利内心的感受。
　　
　　神秘的幻想
　　
　　克利曾用树来比喻艺术创作：艺术家深入细致地研究丰富多彩的世界，好像树根从大地吸取营养，而艺术家本人则是树干，谦卑地传递这些养分，树冠在吸收这些养分之后，在时空中扩张，也就产生了艺术作品，艺术作品是树冠的成长，树冠不一定能长成树根的形状。也就是说艺术作品（树冠）并不一定要表现自然形态（树根），“艺术并不呈现可见的东西，而是把不可见的东西创造出来”[5]这是克利的名言。
　　正是基于这一点，思想和情感形成了克利作品的全部，并由此发展出一个大体上合逻辑的神话。他写道：“我的手仅是身体的工具。我的头也一样，仅起其他某个事物的功能，这是一个在某处更高更远的事物。原始心态并不创造神话，但它体验神话……迈向人生哲学的进程基本上是富有成效的……在所有时空运动的中心功能支配所有机能这个观点上：谁不想成为一个拥有此见解的艺术家呢？在这种观点里难道所有人类的奥密要诀被隐藏了吗？…… 我们颤动的心灵驱使我们不停地深入探索至事物的本源。”[6]
　　从这源泉里发出来的东西――无论称之为梦幻、理念还是怪念头――克利都认真对待，使神秘的幻觉成为可视物（艺术作品）。不管他的作品呈现出怎样千变万化的面貌，有一点几乎从不改变，那就是他始终生活在幻觉当中。因此，克利的作品充满了神秘感。英国现代著名的理论家里德(Herbert Read)在评论克利时说过这样一些精辟的话。他说保罗・克利创造的是“自由幻想的艺术”，他的世界“实在是一个神灵的世界――一个智慧的仙界。它是一个妖魅与鬼怪的世界，一个数学的侏儒与音乐的小鬼的世界，一个幻想的花卉与荒诞的禽兽的世界。总之，是一个野蛮时代的世界。它使我非常强烈地想起了某种中古时代的插图，特别是装饰着乌特莱希福音书的线条的幻想书。此外又容易想到我们在中古时代的艺术中所常常看到的许多诣趣。但是克利的画稿比这些还要大，它是一页想象的卷首画，是弗洛伊德的所谓前意识心理的广阔的书边”。[7]
　　
　　生命的思考
　　
　　克利始终不懈地在画中努力寻找生命的起源，用抽象的线条和色块来表达哲学命题。《红色的气球》（图五），画中的色彩被限制在轮廓线中，细致入微的色彩组合，使整个画面具有一种朦胧的漂流感。缓缓升起的红色气球，像是旭日东升的太阳，照亮了整个世界，生命开始萌发了。克利认为，作为生命的主人，所有的表现方式，不论是绘画、雕刻或是乐曲，不仅要支配实际生活，更要在内心深处形塑一有意义的个体，并且尽可能培养成熟的人生观。克利后期的作品更多的体现了画家对生与死的思考。他的作品变得更宽广，更加神秘符号化，更遥远了。这些作品充满了克利内心死亡和天使的幻象。在他看来，现实世界并不是唯一的，对每一个人来说，还存在着未知的其他世界，死亡就是人向彼岸世界的一次迁徙。《死亡与火》（图六）是克利最后的作品之一，画的中央是一个死神的头像，他用手打开通向死亡世界的圆形的门，里面透出微弱的光芒，右侧，一个人正安然地迈步走向这透着光亮的死亡之门，这是克利对死亡的深刻领悟。也许，克利看来在当时惨遭纳粹蹂躏的欧洲，现实世界难以找到出路，而死亡世界也并不是黑暗的世界。克利逝世之后，人们引用了克利日记中的一段文字作为他的墓志铭，这样写着：“我不能被牢握于此时此地，因为我之与死者住在一起，正如我之与未生者同居一处，多少比往常更接近创造的核心，但还不够近。”[8]透过这段文字，我们能更深刻的体会克利的精神追求。
　　
　　3 结语
　　克利的作品利用简约的形式表现了丰富的内涵，可以说克利是一位创造力丰富的艺术家，在艺术家阿尔布雷特・丢勒时代后，将德国艺术的广度和深度推广到新的高度。他的幻想似乎是取之不尽，用之不竭的（怪诞的疯狂，轶事的幽默诙谐），但它始终根植于克利对待生活和艺术的形而上学甚至神秘的态度之上。尤其是他后期的作品，他对人生终极问题――生与死的思考，面对死亡的坦然，对艺术本质的追求，这一点表现得更为明显。我们很难将他的创作划入某一个具体的派别，也不必去确定他到底是超现实主义画家还是表现主义画家，他就是克利式的，他的创作以一种超脱凡尘的无限丰富的幻想和美妙的境界表现着他的诗意神秘的心灵世界。
　　
　　注释
　　＊ 青春艺术风格。名称来源于自1896年在慕尼黑出版的画报“青春”。青春艺术风格是在十九世纪末、二十世纪初形成的一种艺术风格。主要表现在工艺美术、房屋的建筑和内部装璜、绘画和雕塑方面。其特点是大量采用装饰性曲线和植物或其他抽象的平面图案。
　　
　　参考文献
　　[1]朱铭，奚传绩，设计艺术教育大事典，山东教育出版社 , 2001年版 ，第162页。
　　[2]翟熙伦，“与线条携手同游”―保罗・克利的绘画造型语言，内蒙古农业大学学报(社会科学版)，2004年第4期，第159页。
　　[3]维尔・格罗曼，克利，湖南美术出版社，1992年版，第44页
　　[4]同上，第48页。
　　[5]魏尚河，我的美术史，广西师范大学出版社，桂林，2004年版，第203页。
　　[6]https://www.省略/topic/paul-klee.cat=entertainment。
　　[7]保罗・克利，艺术自然・自我，江苏美术出版社，1987年版，第3页。
　　[8]王美钦，克利论艺，人民美术出版社，北京，2001年版，第43、44页。