数码艺术的美学之思|机械美学VS电子数码

　　在人类艺术发展史上，只有到了“数码艺术”（digital art）的时代，技术的成分才在艺术当中成为了绝对的主宰。“数码艺术”本身就是一种真正意义上的“以技术为基础的艺术”（technology-based art），没有新技术的支撑“数码艺术”就难以成立，我希望从美学的角度来对数码艺术的美学加以崭新的解读。
　　一、解析“数码艺术美学”
　　从历史的角度看，“数码艺术”随着新技术的发展而包括了许多的种类。早期就是“计算机艺术”，它与现代主义艺术运动相系，在审美上力图靠近立体派和抽象派的美学原则。还有“由数码转化的摄影艺术”，这与照相技术同计算机的联姻相关。当代盛行的是“www艺术”或“internet艺术”，这与法国后现代主义者德里达“延异”理论所阐发的近似。还有，“数码互动艺术”，它与“主体间性”、“文本间性”理论都相关。“虚拟现实”（VR）所产生的艺术新形式，则特别与法国社会学大家波德里亚的“超现实”理论直接相关。
　　这些“数码艺术”，我们就不一一举例说明，但从理论上俯瞰，它们具有四种凸显的美学特质，可以分别陈列如下：
　　第一，艺术与技术的融合。在“数码艺术”里面，我们可以发现这样的趋势：艺术与技术之间的界限的消失，而且，技术在其中占据了越来越重要的位置。就发展趋势而言，这很可能体现出：当每种技术刚刚开发出来后，也就是在应用于艺术的起始阶段，技术问题占据主导。但有可能在技术问题被破解后，“非技术”问题就会逐渐占据主导。从人类艺术史的角度来看，越到后来的情况主要是，技术一般而言都是从属于艺术的，从而成为了“为了艺术的技术”，而不是相反。就欧洲艺术乃至西方艺术来说，油画这种主流造型艺术形式，从一开始就比较注重诸如颜料、画布这些技术性的要素（文艺复兴开始的一些艺术大师都有自己研磨颜料和配色的独特方法）。但毕竟，这些技术要素都是辅助性的，艺术性是绝对的内涵。
　　“数码艺术”则彻底颠覆了这种既定结构，“数码艺术”成其为艺术，反倒是因为技术，而不是因为艺术，至少目前的情况就是如此。可见，“数码艺术”，至少目前还是“为了技术的艺术”，而非“为了艺术的技术”，计算机技术构成了其革命性的基因。
　　第二，图像“解码”成为信息。“解码”成为信息，亦即转化成所谓1和0两个数码，然后再“编码”成图像。前一个过程，就是“图像变信息”，后一过程，则是“信息变图像”。这里倒可以利用的是斯图亚特·霍尔（Stuart Hall）的“解码—编码”理论的表面涵义，“数码艺术”就是一种先解码、后编码的新媒体艺术形式。可以说，“数码艺术”基本上就是“computer-based art”（以计算机为基础的艺术），或者说，这些新技术为艺术的发展提供了真正的“数码平台”（electronic palette）。
　　在“数码艺术”的早期发展过程中，计算机艺术经历了一种“从抽象到具像”的发展过程。这与技术条件的实现程度是直接相关的，因为最早的“数码艺术”无法实现图像的“具像化”的，只能以点、线、面的简单形式出现，倒类似于无色彩的抽象画。但随着技术条件的成熟，“数码艺术”的造型能力越来越强，甚至能以“假”乱“真”！
　　第三，“互动”（interactive）或“交互性”的角色。互动或交互性，在“数码艺术”当中扮演了越来越重要的角色。应该说，在技术条件不成熟的初期，这种交互性并不存在，只有简单的“人→器”单向的输出。这种角色作用，是从“无”到“有”的，在“电子艺术”逐步发达的今天愈来愈重要。特别是在“互动数码艺术”、“VR”艺术当中，更体现出这种重要的互动价值。
　　由美学理论观之，从“单向作用”到“互动作用”，体现出“数码艺术”的“主体间性”和“文本间性”的特质。按照传统的艺术观：从艺术家到艺术品，再从艺术品到欣赏者，一脉相承。一般而言，这种过程是不可逆的，是一种顺势而下的次序关联。但是，在“数码艺术”当中，形成了两种互动关系：一方面，是艺术家与数码机器的互动，进而创造出另一种更重要的“人—机互动”；另一方面，则是观者参与的互动——观者根据指令，作出相应运动，观者参与进了pre-programmed（前程序化的）的路线当中。
　　第四，“生产性”创作模式。这种创作模式是“生产”（production），而非“复制”（reproduction）。这源自于对瓦尔特·本雅明思想的独特改造。传统艺术只是“生产”，而且是一次性的、即时的、独一无二的创造，于是，所谓的“光晕”便被生产了出来。后来，则是所谓的“机械复制”（Mechanical Reproduction）时代的来临，从印刷术到电影技术都参与了其中的运作。机械复制时代的艺术就是“复制化”的艺术。然而，“数码艺术”的时期，其优势却在于“生产”。这是由于，“数码艺术”并不是简单地复制或拷贝技术，而是在被创作和被接受的过程里，都会产生信息“衍生”的现象。“传播也就是创作”，或者说亦是“再生产”。如此看来，从艺术传播的历史来看，经历的是“生产——复制——生产”的发展链条，当然，“数码艺术”的生产远非传统艺术的生产所能比，因为它是一种已以插上了信息技术翅膀的“再生产”。
　　二、从“艺术复制”、“机械复制”到“数码复制”
　　“数码艺术”，又将复制问题提到了台面上。有一篇现在已被纳入经典的艺术理论论文，基本上沿袭的是本雅明《机械复制时代的艺术作品》的名称与格式，叫做《数码复制时代的艺术作品》（The Work of Art in the Age of Digital Reproduction），[1]所讲的就是类似的问题。不同技术的时代，对艺术产生了不同的挑战，需要艺术加以积极的应战。
　　中国古典绘画，所讲求的“摹”、“拟”、“仿”等等，其实也都是复制。因为许多中国艺术品并没有原本（原本在历史上遗失了，中国绘画的媒材也不容易保存），那么，“仿制”就成为中国传统绘画得以保存的根本手段。君不见，多少艺术大作都是仿制品，或者由于仿制品多多而难辩真伪。但这里的仿制，指的是“手工仿制”，从一个艺术家到另一个艺术家（或非艺术家）的仿制。